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第四节
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文艺复兴时期，在艺术创作上达到丢勒高度的德国画家是格吕内瓦尔德。
关于他的生平，后世知之甚少，他流传下来的作品数量有限，从题材上局限于祭坛画—自1490年起，以基督受难为主题、置放于教堂祭坛的木雕作品渐渐被祭坛画取代。
耶稣受难是格吕内瓦尔德一再描绘的题材，他因此被称作“痛苦之画家”
（MalerdesSchmerzes）；最著名作品是他在40多岁时为伊森海姆的圣安东尼斯修道院创作的《伊森海姆祭坛画》（1512—1516）彩图11，这座修道院设有医院，治疗癫痫、败血症和皮肤病患者，据说他们在接受治疗前，会走上台阶来到祭坛前，太过孱弱者会被僧侣抬到祭坛前；阳光透过彩绘玻璃窗照耀进来，或是夜晚烛光摇曳之际，病人在此祈求康复痊愈的神迹（奇迹）出现。
这一祭坛作品系列包括11幅油画和1尊木雕群像，由四组三联画组成；宗教节日时，打开内层画作；最外层的中间部分，也就是平时总是展现在众人（病人）面前的，是油画《基督受难和哀悼基督》（KreuzigungundBeweinungChristi）。
这幅巨作宽6米、高3米，现存于科尔马艺术博物馆（MuseumUnterlinden）。
它不是把基督受难作为已成过往的历史事件，而是将之以现在时的逼真和无距离呈现在观者面前，展现出受难者极度的恐惧、抑郁和痛苦。
画面上的十字架由粗加工的木条拼搭而成，占据画面的整个高度，却并不处于画面正中央，而是稍偏向右，打破了画面布局的对称均衡；环境是荒凉的山区地带，地面上散布着些许碎石，阴沉的深黑色夜景仿佛处于日全食的晦暗之中，似乎白昼已沉入永夜，仅存一缕惨淡微弱的光线。
这烘托出阴惨绝望的悲痛气氛，凸显出位于画面前方的五个人物，尤其是中间垂悬着的耶稣的**身体图3-34，瘦削的身体在极度痛苦中扭曲着，下坠的力量使两侧肋骨鼓起来，小腹扁塌，沉重的受苦肉身把十字架的横梁都有些压弯了。
他的头无力地歪垂着，脸上胡子拉碴，面部因疼痛而变形，眼睛紧闭，嘴微张，仿佛窒息而亡，遍布全身的伤口还在缓缓流血；他的十指**般卷起，手指和脚趾仿佛抽搐着，“他的脚和手拼命地张开着，筋络几乎要扯断了，肌肉扭曲，骨节全部脱臼甚至有的骨头已断裂”
[8]。
图3-34格吕内瓦尔德，油画《伊森海姆祭坛画》的局部，1512—1516
受难所伴随的惨烈肉身之痛仿佛正发生在观者眼前：“十字架上奄奄一息的耶稣的身体因剧痛而蜷曲；荆棘杖留下的尖刺仍然布满他溃烂的伤口。
深红色的鲜血与皮肤的黯然泛绿甚至青紫形成强烈反差”
[9]。
耶稣的身体展现出明显的暴力迹象，遍布全身的鞭笞伤口已溃烂脓肿，似乎开始腐烂，有些伤口处还残留着小截的荆棘枝条，枯枝的尖刺嵌进肉身，让身体的痛楚明显可见，这些描绘绝对与美无关，而是暴露出极度的惨烈、恐怖、丑陋，使观者感到不寒而栗，简直不敢直视，同时却也具有震人心魄的力量。
追求极度的表现力和感染力，这正是格吕内瓦尔德画作的宗旨。
顺着画作中受洗约翰指向受难者身体的超长手指，病人仿佛听见画中耶稣在对他们说：“你们并非唯一的受苦受难者！”
病人目睹耶稣承受的无法言说之痛以及与之相伴随的极端的屈辱孤独，联想到自己承受的病痛折磨以及被社会唾弃的遭遇，产生强烈的认同感，感到心灵的抚慰，萌发痊愈的希望。
这让人联想到《圣经·耶利米哀歌》里的耶稣之语：“你们一切过路的人呐，这事你们不介意么。
你们要观看，有像这临到我的痛苦没有，就是耶和华在他发烈怒的日子使我所受的苦。”
艺术史学家哈曼（R.Hamann）指出：
他的艺术源于庆典所用的大型木刻祭坛，继承了教会宏伟艺术这一伟大传统……面向公众的伟大姿态增强了其画作震撼人心的慷慨激昂。
他的艺术诉诸大众，而非个体：它仿佛将教会纲领钉在了教堂的墙上。
[10]
画面左右侧人物衣着的红白基调形成呼应。
画面左侧，一袭白衣的圣母面无血色，嘴唇乌紫，正昏厥过去，身体往后倾倒，被一身红衣的使徒约翰扶住，他俩的衣服色彩形成强烈对比；使徒约翰的脸因悲恸而有些扭曲变形，他张着的嘴里露出鲜红的舌头，脸上的泪滴清晰可见，双手合在一起；抹大拿的玛丽亚绝望地拧着双手，十指交叉着张开，她哭号着望向十字架上的耶稣，她的身体尺寸只有耶稣身体的一半，代表着人类的渺小及罪过，她头戴透明面纱，面纱下露出她睁着的眼睛和齐腰长的柔媚金发。
她身边放着一只盐罐，上面写着数字1515，也就是油画的创作时间。
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