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※在玛拉蒂（aratti，1625-1713）的画作《阿波罗追逐达芙妮》中，无处可逃的达芙妮为了躲避阿波罗，在其父河神的帮助下化身为月桂树
从这一时刻起，历代作曲家就一直不停地在这一形式中注入他们的创意，歌剧一直不停地发展，就像一架强有力的发动机，带动了整个巴洛克时期的音乐飞速发展。
音乐的发展和变化可谓日新月异。
歌剧空前地发掘了声乐和器乐的各种可能性，而在其他领域中，特别是纯器乐创作中，作曲家们承袭和借鉴了歌剧中作为伴奏和刻画人物心理、描述戏剧场景和自然环境、烘托氛围的器乐方面的一揽子创意。
在诞生之初，佩里的歌剧中，伴奏仅仅是几把琉特琴和一架键盘乐器。
但在蒙特威尔第手中，伴奏的乐队规模被大大扩充，成为我们今天看起来的管弦乐队的形式。
丰富的乐器种类、音色配置（和组合的可能性）以及更大的力度变化空间，能够表达更为丰富的音乐信息和表现更为复杂细腻的情感。
更为重要的是，蒙特威尔第极大地发展了器乐的表现力。
他认为，为了表现戏剧内容、情感和各种场景变化，应该利用各种可能的管弦乐手法来达到目的。
从他开始，歌剧中的器乐部分被提升至越来越重要的位置，而且每一位作曲家都在进行不断的写作和实验，器乐音乐借此获得了越来越快的发展，迅速走向成熟。
※第一部完整流传下来的歌剧《尤丽狄茜》（Euridice）诞生于1600年——这是歌剧艺术诞生的时间标志
早在文艺复兴时期，许多作曲家就习惯于采用一种简略的记录和声的手法：只谱出最基本的低音线条，然后在其下写下简单的数字标记，用以指示其时应该奏出的和弦，这种方式被称为“数字低音”
[1]。
这种非常实用和高效的方法在歌剧诞生后，立即被应用进来，大大解放了作曲家谱曲的过程，使其不必再详细地写明每一个音符，只标记和声功能，谱曲速度成倍提高。
这就是为什么巴洛克时代很多作曲家能够每二三个星期便完成一部歌剧作品。
※最早的羽管键琴是采用禽类的羽毛尖拨奏琴弦的方式发声，后来改进为皮革，或是金属拨子拨动琴弦
早期的歌剧，数字低音声部还由琉特琴演奏，但很快便固定为如下形式：低音线条由低音维奥尔（VioladaGamba）演奏，后来被“巴洛克大提琴”
取代。
除了音色的差异，它与现代大提琴最大区别是：“巴洛克大提琴”
是像低音维奥尔琴一样，夹在两腿中间演奏的，数字低音的上方和弦是由古钢琴演奏的。
有时候，在演奏宗教作品时，或者有特殊音色需要的时候，键盘乐器可能换为管风琴。
早期数字低音乐器的应用非常灵活，也常常会出现只用一架管风琴而没有低音弦乐器的方式，管风琴拥有强大的多声部能力，可以用脚踏键盘部分代替低音弦乐器，而用手键盘演奏上方的和弦。
※因为采用拨奏的方式，所以听起来具有浓重的金属泛音，声音清脆悦耳
说到古钢琴，通常指的是如下几样乐器：羽管键琴、楔槌键琴、维吉纳琴和斯皮耐琴[2]。
最早的羽管键琴采用禽类的羽毛尖拨奏琴弦（在键盘的控制下）发声，后来改进为以皮革或金属拨子拨动琴弦。
因为采用拨奏的方式，所以听起来具有浓重的金属泛音，声音清脆悦耳。
标准的羽管键琴拥有两到三层键盘，每一层键盘都可以控制拨子在琴弦不同的位置拨动，而获得稍有不同的音色，这样在演奏复调作品时可以将两个声部分配至音色不同的两层键盘，产生对比清晰的复调效果。
羽管键琴也可以通过触键力度强弱的变化获得音量的变化，但不如现代钢琴的力度变化那么灵敏，也没有那么大的变化幅度。
※楔槌键琴形制和音量都较羽管键琴要小，触键更为灵敏，一般用于室内独奏，深受家庭喜爱
楔槌键琴的触弦方式完全不同，它通过键盘联动的是一块楔形的金属，以此来击打琴弦发声（它的中文译名便由此而来）。
楔槌键琴的音色也具有金属泛音，通常形制比较小，音量也较小，但触键更为灵敏，一般用于室内独奏。
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